攝影師的“上帝”應該是光，因為沒有光，也就不會有攝影藝術，沒有光，我們即使有再好的設備和構想，也是看不到結果的。我們的想象力猶如鳥兒的翅膀，而光就是托起翅膀的風。芭芭拉·摩根（Barbara Morgan）說：“光給了我創意的形狀和腳本，也是我成為攝影師的原因。”攝影緣起于光，光和影的平衡與互動構成了攝影的基本面。作為一個攝影師，前期拍攝就是捕捉光，而后期處理則是調整光在照片上的強度和分布。

        攝影（photography）這個詞源于古希臘語中的光（photo）和寫（graph）。在一張照片中，光和影、反射、光斑、光暈甚至光源本身都可以作為攝影的主題，光的強度，光源的大小、形狀、溫度和光線方向、質量、色調，都能夠影響照片的表現。任何光的參數變化或是環境的影響，都會使作品傳達的內容發生變化。在一張照片中，亮度不僅僅是光在現實中存在的本身，更是攝影師駕馭題材的方向盤。亮度是有感情的，特別是在黑白攝影中，作為畫面上惟一的造型工具，控制了亮度就控制了光，這個魔法是不是聽起來很偉大？

        人類是一種光敏動物，這不是說人類會像膠片一樣產生化學變化，而是人在對亮度的判斷上非常主觀。亮度在攝影中從來就不是一個單純的明暗問題，每種亮度都會賦予畫面一種特定的情感色彩。在上圖片中，亮度會對人們的情感判斷產生非常大的影響。

        在前期拍攝中，光來自于如太陽、月亮、星星等的自然光源以及人造光源，對于亮度的控制主要靠曝光控制和光源布局完成，相機僅僅記錄而無法制造不存在的光源。而在后期制作中，通過亮度控制可以改變光源屬性，甚至是制造不存在的光源。當然，制造光源需要對光有充分的理解，這就是后期的力量。

        攝影繼承了西方繪畫歷史的厚重資源，古典造型藝術的精確透視和光影關系得以在攝影中發揚光大，并獲得了科學的證實。因此，西方攝影歷史站在繪畫的強大基礎上，只需關注技術就可以順利發展了。只要不明顯違反傳統的審美法則，一個攝影師很容易就能獲得審美上的認可。在攝影畫面元素的處理方面，可以說技術的束縛要遠比審美的束縛嚴重得多。

        為了理解光線對攝影造型的重要性，我們來看一下傳統繪畫是怎樣利用光線來營造真實感的。早期的繪畫大師們諳熟光源的制造和控制，倫勃朗（Rembrandt Harmenszoon van Rijn）、達·芬奇、卡拉瓦喬（Michelangelo Merisi da Caravaggio）和安格爾（Jean Auguste Dominique Ingres）等人是少數掌握這種創造光源和陰影能力的人，他們的繪畫作品中光源的合理性是深入觀察真實光線傳播效果的結果。

        在西莫內·皮尼奧尼（Simone Pignoni）的作品《 圣彼得羅米拉之死》 中，這樣戲劇性的傳統布光方式源于對自然光線的理解。

        而現代繪畫大師們，特別是畢加索（Pablo Ruiz Picasso）、達利（Salvador Dali）等超現實的畫家，則利用光線的真實和意象的荒誕來營造一種超現實的存在感，人們相信這種光在現實世界中存在的可能性，同時也懷疑在這種光線下物體形態的合理性，由此造成的現實背離令人著魔。

        在攝影中，前期拍攝的曝光控制不在本書的內容范疇之內，在此就不再表述。在后期處理中，照片上的任何亮度分布都將是有意識進行控制的結果。與前期拍攝過程相比，后期的可控性大大增加了，圖像處理軟件為照片的亮度控制提供了最基本且最豐富的功能。

        在安格爾的作品《瓦平松的浴女》中，猶如全局渲染般均勻而清澈的光線也是基于對光線折射的深刻觀察。

        相機的前期曝光控制主要是通過調整相機的快門速度、光圈和感光度來完成的，在人工光線環境下，閃光燈燈光的亮度控制也很重要。因為多種原因，拍攝完成的照片并不等于本書意義上的作品，與后期處理相比，前期拍攝照片更像是在獲得素材。在LR和PS中，有強大而豐富的功能專注于亮度控制。若是你沒有玩過膠片，沒有關系，不懂曝光原理、不知道怎樣計算EV，這個也并不是什么問題。創意攝影最關心的不是曝光數據本身，而是曝光的心理需要，沒有理由的曝光僅僅是一個沒有意義的數字罷了，曝光是有靈魂的。